Para depurar la fotografía: El Grupo f/64

11

El Museo de las Artes de Portland realizó una exposición fotográfica para exponer los motivos y trabajos del legendario Grupo f/64, el poderoso colectivo de fotógrafos que deseaba purificar la fotografía, una idea que ahora parece una extraña ironía a los lomógrafos.

Mientras me tomaba algo en el restaurante mexicano de mi ciudad, mis ojos se posaron sobre el atestado tablón de anuncios del local. La mayoría de las veces, el tablón no contiene más que un abigarrado montón de anuncios de casas en alquiler y otras cosas igualmente aburridas para un estudiante de secundaria como yo. Sin embargo, esta vez un gran cartel situado justo en el centro del tablón dominaba el conjunto. Decía: “Debating Modern Photography: The Triumph of Group f/64”. Me copié el título en una servilleta para echarle un vistazo con calma cuando llegase a casa.

Después de comer, me fui a casa e inmediatamente salté a la red para buscar algo más de información. No tanta como para fastidiar mi deseo de ver la exposición o arruinar la sorpresa, sino la justa como para empujar a verla sin perderme o presentarme allí después de que la hubieran retirado. Así que escogí una fecha y convencí a mi LomoAmiga Geltona para que me acompañase.

Y así fue como en un horrible sábado lluvioso, nos dirigimos a Portland, Maine, para visitar el Portland Museum of Art. Al entrar al museo nos encontramos con una gran habitación oscura a la derecha decorada con las palabras “Debating Modern Photography: The Triumph of Group f/64”. Intrigados y expectantes, nos adentramos en la sala y nos vimos inmediatamente rodeados por todo tipo de fotografías. Fue realmente duro aguantarnos las ganas de ver las fotos para tomarnos tiempo y leer los textos que las acompañaban.

Durante la segunda mitad de la década de 1880, la forma más en boga de fotografía se denominaba “pictorialismo”. Los pictorialistas hacían fotos en las que usaban enfoques suaves, filtros especiales para lograr determinados efectos, lentes especiales y un gran esfuerzo de manipulación en el laboratorio. Algunos artistas incluso fueron tan lejos como para dibujar los detalles más ínfimos sobre sus placas de cristal para conseguir que sus fotos se aproximasen aún más a sus deseos. El pictorialismo podría verse como un equivalente al moderno Photoshop o incluso, ¿me atreveré a mencionar una aberración del calibre de uffff Picnik en este lugar? La era moderna digital en cierta manera anticipada.

Ejemplos de fotos pictorialistas. Foto 1 de Robert Demachy. Foto 2 de George Seeley. Las fotos provienen de wikipedia.

Tras unas décadas de dominio pictorialista, algunos pensaban que la fotografía necesitaba volver a los orígenes. Los fotógrafos necesitaban deshacerse del exceso de confianza en el post-procesado. La fotografía tenía que volver a ser “real” una vez más. La fotografía necesitaba en realidad suceder dentro de la cámara. ¿Os suena familiar?

Como respuesta a estos sentimientos se formó el Grupo f/64 en el sur de California. El grupo, encabezado por Ansel Adams y Willard Van Dyke, reunió una banda de fotógrafos con los que poner su pensamiento anti-pictorialista en acción. Las fotos del grupo contrastaban con las antiguas mostrando focos agudos con gran profundidad de campo, grandes negativos y copias grandes, y fotos que resultaban realmente sobrecogedoras sin necesidad de post-procesado. El grupo iba creciendo, y Ansel Adams y Willard Van Dyke reclutaron a cinco fotógrafos más: Imogen Cunningham, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, y Edward Weston. También hubo otros, como Preston Holder y Alma Lavenson que expusieron obras con el Grupo f/64 de manera ocasional.

Ejemplos de fotos de miembros del Grupo f/64. Foto 1 de Ansel Adams. Foto 2 de Imogen Cunningham. También provienen de la wikipedia.

En la exposición del museo de Portland había tanto fotos de los pictorialistas como del Grupo f/64, separadas en distintas secciones, lo que las hacía diferir y contrastar de manera fácil y disfrutable. Había pequeños puntos en donde se explicaba con sencillez cosas como los negativos de placa de cristal y cómo funciona la apertura. Incluso tenían una caja de luz con negativos y lupas para que los visitantes pudieran comparar las fotos de cerca. Aunque las fotografías eran impresionantes, aprendí más de la exposición que en cualquier otra típica visita a un museo.

Según fui leyendo más información en la exposición, me di cuenta de que el Grupo f/64 compartía los ideales y motivos de los lomógrafos. Como lomógrafos, nos esforzamos por alejarnos de la manipulación digital usando película analógica y cámaras “de juguete”. Sin Photoshop ni post-procesado; sin trucos. Esos eran los motivos y valores de los miembros del Grupo f/64.

Lo que me llamó la atención fue la ironía de la exposición. Todas las lecciones que allí se enseñaban sobre purificar la fotografía son hoy en día tan relevantes como lo eran a principios del siglo pasado. Hoy, nombres como Ansel Adams se han convertido en el estereotipo de la “buena fotografía”. Un bonito paisaje con un foco perfecto es algo que puedes ver dominando cualquier página de Flickr que atraiga a miles de personas que pierden el sentido ante la inspiradora escena. Sin embargo, la fotografía ha llegado a un punto en el que ya nadie fotografía estos paisajes inspiradores, sino que se limitan a componerlos durante el post-procesado con intensos ajustes de niveles de Photoshop y enormes efectos HDR. Parece como si el estándar moderno de fotografía fuera conseguir fotos como las del Grupo f/64 mediante el uso de los equivalentes modernos del pictorialismo, deturpando completamente el sentido lo que el Grupo f/64 defendía. La mayor ironía, desde mi punto de vista, reside en que los lomógrafos tienden en la dirección del Grupo f/64 ideológicamente hablando, pero optan por el pictorialismo estilísticamente. Los lomógrafos prefieren seguir las bases del Grupo f/64, obviando el post-procesado y la manipulación de la cámara y aplicarse al estilo de los pictorialistas usando desenfocados y cosas semejantes. Un foco suave como el de la Diana F+ es algo que los lomógrafos y los pictorialistas admiran, aunque usar película profesional en la era digital sin post-procesarla es una necesidad tanto de los lomógrafos como de los miembros del Grupo f/64.

A lo largo de toda la exposición, una pregunta dirigida al visitante dominaba la escena. Una pregunta que la gente respondía sin meditarla porque pensaban que así es como se supone que tenían que contestarla. Una pregunta que yo voy a haceros a vosotros:

¿de qué lado estás?

written by fivedayforecast on 2011-01-27 #news #museo #geltona #groupf-f-64 #imogen-cunningham #portland-museum-of-arts #pictorialismo #ansel-adams
translated by basho

Kickstarter

Bringing an iconic aesthetic to square format instant photography, the Diana Instant Square fills frames with strong, saturated colors and rich, moody vignetting. Built to let your inspiration run wild, our latest innovation features a Multiple Exposure Mode, a Bulb Mode for long exposures, a hot shoe adapter and so much more! It’s even compatible with all of the lenses created for the Diana F+ so that you can shake up your perspective anytime, anywhere. No two shots will ever be the same. Back us on Kickstarter now!

11 Comments

  1. beni
    beni ·

    me ha molao MAZO!

  2. basho
    basho ·

    Me parece a mi que este chaval yerra un poco el tiro al tratar de extrapolar los postulados tanto de los pictorialistas como de los miembros del grupo f/64 y forzar comparaciones con la lomografía. En primer lugar, porque Ansel Adams & Co. reaccionaron contra el pictorialismo porque como corriente estaba más que agotada. Stieglitz y sus principales compañeros ya la habían superado en gran medida y los que aún la seguían no hacían más que imitar y realizar fotografías que, en efecto, requerían gran esfuerzo en todas sus fases (concepción, composición, realización y post-procesado) pero que no dejaban de ser ya mera fórmula. El movimiento iniciado por Adams y Weston parte del hastío y el cansancio, no del genio. En segundo lugar, como alguien comentó en la versión original del artículo, los del grupo f/64 pasaban en el laboratorio tanto tiempo como los pictorialistas, sino más; aunque buscasen efectos distintos. Y en tercer lugar, y lo que resulta más importante para nosotros, la lomografía puede tener cosas más o menos en común con ambas escuelas, pero no es ni una ni otra, ni contiene tendencias en el sentido de una o de la otra. La lomografía es lomografía. Punto final. Los efectos no provienen (o no deben hacerlo) de la manipulación digital, sino del uso de cámaras "toy" o "lo-fi", de técnicas de laboratorio como el revelado forzado o el cruzado y hasta de la manipulación de las cámaras de cualquier modo imaginable. Los del grupo f/64 no usarían hoy en día una Diana+ o una Holga. Buscarían la mejor cámara digital posible para retratar fielmente la realidad y trabajarían la post-edición en un Apple buscando mejorar sus paisajes en la medida de lo posible. No creo que la lomografía sea fotografía "más pura" porque sintamos mayor o menor aversión por el retocado digital o un gran amor por la película y lo analógico. Y a mi me gustan tanto las lomografías que pueden parecer pinturas como algunas super-curradas y con un enfoque perfecto.

  3. susielomovitz
    susielomovitz ·

    ¡Qué buen artículo! A mi también me ha encantado como a @beni. Y coincido bastante con la buenísima explicación de @basho sobre lomografía. (Sobre pictorialistas y el grupo f/64 no puedo decir mucho porque los conozco ahora a través del artículo). En lo que coincido es que a mi también me pueden llagar a gustar tanto las lomografías que pueden parecer pinturas como algunas super-curradas y con un enfoque perfecto, simpre y cuando las cosas estén bien hechas soy capaz de disfrutar muchos estilos -incluso una buena foto digital :P-. En fin, que gracias por la traducción de este BUEN artículo, *and thanks to @fivedayforecast, well done, @gletona's portraits are beautiful!*

  4. susielomovitz
    susielomovitz ·

    * @geltona, sorry ;).

  5. tylerdurden
    tylerdurden ·

    uhhh @fivedayforecast te han dao cera!

  6. basho
    basho ·

    @tylerdurden jajajajja No pretendía darle cera al chaval. Me parece un artículo muy chulo y muy bien escrito (por eso lo he traducido), pero que fuerza un poco las cosas para llevarnos al huerto. De todos modos, algunos ya le habían dado lo suyo en el original XD

  7. larahacefotos
    larahacefotos ·

    idem a @susielomovitz ;)

  8. fivedayforecast
    fivedayforecast ·

    Yo no hablo español...

    @basho, gracias por la traducción.

    haters gonna hate

  9. blancarleal
    blancarleal ·

    Yo creo que si alguien les hubiese dicho (tanto Ansel Adams como Steichen...): no encuadres, dispara desde la cadera... jajajajaja... se caerian de culo, seguro!

  10. vgzalez
    vgzalez ·

    Jo. Pedazo de artículo; y de traducción; y de comentarios posteriores. Cuánta cultura fotográfica tan condensada. Me abruma y me encanta.

  11. abelardo_elpollo
    abelardo_elpollo ·

    El artículo es interesante, pero me parece que encarar la lomografía como algo ajeno a la técnica es un graso error. Que el muchacho este no se pase mucho tiempo en el laboratorio es porque le paga a alguien para que lo haga por él. ¿O las películas se revelan solas? ¿o el negativo sale directamente en un CD? Desde que entregas tu película hasta que te devuelven tu CD pasan un montón de cosas hechas por personas con conocimientos técnicos que alteran el resultado final. No da igual ni el químico, ni el scanner, ni el balance de colres, etc.!! Todos esos factores "cambian" lo que originalmente pudo estar impreso en la película.
    Por eso me encanta la fotografía. Porque no es un instante sino un proceso. Por ello...prefiero hacer todo yo para compensar todos los pasos y que se altere lo mínimo posible aquello que quise hacer al momento de tomar una fotografía. Hago menos lomografía por ello? Creo que no.
    ¿Además, realmente no entiendo la diferencia entre utilizar película e intentar expandir las "normas" de la fotografía a la lomo? Tengo la sospecha que son lo mismo. Porque en cuanto alguien diga "esta foto es lomografía y aquella no" esta matándola. El concepto no es la ausencia de normas, sino el jugar con ellas a gusto y que nada pueda estar "fijo".

More Interesting Articles